L'honnêteté de la suggestion
Lorsque je crée, je reviens sans cesse au symbolisme plutôt qu'au récit littéral. Une histoire littérale, avec sa succession claire d'événements et de personnages, peut être puissante, mais elle me paraît souvent trop figée, trop définie. La vie ne se déroule pas de manière précise. L'émotion s'exprime rarement avec clarté. La mémoire se brouille. Le désir se contredit. Le deuil et la beauté se confondent. Le symbolisme, par son ouverture, me semble plus proche de la façon dont l'expérience nous traverse réellement.
Une fleur rougeoyante, un visage à moitié voilé, un geste surréaliste suspendu dans le temps : ces images communiquent non pas par des affirmations, mais par des suggestions. Leur ambiguïté est source d'honnêteté.
L'émotion au-delà des mots
La narration littérale repose sur les mots, même lorsqu'elle est rendue visuellement. Le symbolisme, en revanche, permet à l'émotion d'émerger au-delà du langage. Un portrait déformé peut saisir la fragilité avec plus de précision qu'une représentation littérale de la douleur. Un geste symbolique – une main tendue, une ombre qui se profile – peut être plus complexe qu'un paragraphe de dialogue.
Nous savons par expérience que nos sentiments les plus profonds échappent souvent aux mots. Nous rougissons, nous tremblant, nous détournons le regard. Le symbolisme reflète cette vérité. Il permet à l'art d'habiter les registres non verbaux où l'émotion est vécue plutôt qu'explicitée.
La mémoire comme fragment, et non comme séquence
Les souvenirs nous parviennent rarement sous forme d'histoires cohérentes. Ils surgissent par fragments : couleurs, parfums, gestes, éclairs de lumière. Une nuance de violet peut rappeler une soirée d'été entière. La texture d'un tissu peut réveiller un deuil. Ces fragments sont symboliques par nature ; ils ne racontent pas, ils suggèrent.
Pour moi, l'art symbolique honore la façon dont la mémoire vit en nous : dispersée, stratifiée, irrésolue. Un récit littéral risque de l'enfermer dans une signification unique. Le symbolisme lui permet de rester vivante, multiple, telle qu'elle est réellement.
Le langage de la métaphore
La métaphore est un langage plus ancien que les mots. Les cultures s'y sont toujours tournées pour décrire l'ineffable : les rituels sacrés, l'amour, la mort, la transcendance. Parler métaphoriquement ne revient pas à obscurcir le sens, mais à le révéler indirectement, laissant place à l'interprétation.
Dans ma pratique, je constate que la métaphore véhicule souvent la vérité plus fidèlement que les faits. Une histoire littérale dit : « Voici ce qui s’est passé. » Une image symbolique murmure : « Voici ce que l’on ressent. » Cette dernière interprétation est peut-être moins précise, mais elle est plus percutante.
Le symbolisme dans l'art contemporain
Dans l'art mural symbolique contemporain, la métaphore continue de façonner le dialogue émotionnel. Plantes surréalistes, figures hybrides et portraits théâtraux suggèrent plutôt qu'ils ne déclarent. Ils invitent le spectateur à exprimer ses propres expériences sur l'image, complétant son sens par le souvenir, le désir ou la perte.
L'art littéral s'exprime ; l'art symbolique s'exprime par le silence, invitant le spectateur à écouter différemment. Ainsi, le symbolisme vise moins à imposer un sens qu'à créer un espace de connexion.
L'honnêteté subtile du symbolique
Pourquoi choisir le symbolisme plutôt que le récit littéral ? Parce que la vie elle-même est symbolique. Nous vivons de gestes, de fragments, d’impressions fugaces qui ne peuvent être exprimées directement. Créer symboliquement, c’est accepter cette ambiguïté, c’est croire que la suggestion peut être plus honnête que la déclaration.
Un symbole ne ferme pas le sens, il l'ouvre. Il laisse place au non-dit, à la résonance fragile de l'émotion, au mystère qui habite chaque souvenir. Et c'est là, dans cette ouverture, que l'art trouve sa plus profonde honnêteté.
