Lorsque j'ai commencé à expérimenter les techniques mixtes, je ne m'attendais pas à ce que la superposition modifie ma perception de la peinture. Ce qui n'est au départ qu'un choix technique – combiner des matériaux comme l'acrylique, le liner ou les peintures métallisées – devient rapidement un langage émotionnel. Plus je superposais, plus chaque œuvre prenait une dimension différente.
Les techniques mixtes ne sont pas une question d'excès, mais de vérité. Elles reflètent notre perception du monde : complexe, imbriquée, parfois contradictoire. Chaque couche cache quelque chose et en révèle d'autres. Et dans cet échange discret entre ce qui est vu et ce qui est enfoui, naît la profondeur.
Au-delà d'un matériau : l'histoire des surfaces
La peinture traditionnelle repose souvent sur un seul médium : l’huile, l’aquarelle ou l’acrylique. Chacune a sa propre logique, mais la technique mixte transcende cette frontière. Elle s’ouvre au conflit et au contraste. Brillant contre mat, transparence contre opacité : les matériaux dialoguent entre eux.
Dans mon atelier, je commence souvent par l'acrylique pour poser un rythme de base : gestes amples, aplats de couleur. Viennent ensuite les métaux : argent, chrome et pigments réfléchissants qui captent la lumière et modifient l'ambiance selon l'endroit où l'on se place. Enfin, les feutres et les eye-liners fins apportent précision, des tracés graphiques qui transforment la pensée en émotion.
Lorsque ces textures coexistent, la surface se transforme. Elle devient plus qu'une image ; elle devient un événement, une conversation entre les matériaux.
La superposition comme métaphore émotionnelle
Superposer, c'est accepter l'imperfection. Chaque nouvelle couche de peinture interagit avec la précédente, parfois en la sublimant, parfois en l'obscurcissant. C'est un dialogue entre maîtrise et abandon.
Ce processus est profondément psychologique. La façon dont nous superposons les couches dans l'art reflète souvent la façon dont nous construisons notre identité – à travers les expériences, les contradictions et la mémoire. Comme dans la vie, aucune surface n'est jamais entièrement nouvelle. Il reste toujours quelque chose en dessous.
C'est pourquoi les peintures aux techniques mixtes paraissent souvent plus humaines : elles révèlent les traces de décisions, d'hésitations et de changements. On y perçoit le temps qui passe.
Le rôle de la lumière et de la réflexion
Les pigments métalliques et les peintures réfléchissantes sont plus que de simples éléments décoratifs : ils introduisent du mouvement. L'œuvre d'art évolue au gré des variations de lumière au fil de la journée. Ce qui paraît calme le matin devient presque électrique au crépuscule.
Cette interaction entre la matière et la lumière ajoute une dimension supplémentaire. Elle remet en question l'idée que la peinture est statique. En techniques mixtes, même la surface la plus silencieuse est vivante, oscillant entre ombre et brillance, opacité et éclat.
Pour moi, cette vivacité renvoie à une dimension émotionnelle : l’impossibilité de saisir une vérité unique. Chaque reflet est une nouvelle version du tableau, tout comme chaque regard est une nouvelle version de nous-mêmes.
Symbolisme à l'intérieur du processus
Mon travail intègre souvent des formes symboliques – yeux, fleurs, serpents, visages – et la superposition donne du poids à ces motifs. Un serpent tracé de lignes métalliques semble vivant car les couches sous-jacentes vibrent de couleur. Un motif floral à moitié caché par une peinture opaque évoque le souvenir ou la perte.
Dans les techniques mixtes, les symboles ne sont pas simplement dessinés ; ils sont exhumés. L'acte de superposition transforme la peinture en excavation – non pas de la matière, mais du sens.
Même une simple marque gagne en puissance lorsqu'elle coexiste avec la texture. Elle s'inscrit dans une histoire tactile, un écho visuel du toucher, de la pression et du temps.
Pourquoi la profondeur est émotionnelle
Lorsque les spectateurs qualifient les peintures mixtes de « profondes », ils évoquent souvent plus que la composition. La profondeur, en ce sens, est psychologique. Elle se produit lorsqu'une surface refuse d'être lue d'un seul coup d'œil.
C'est ce que j'aime le plus dans ce travail : le refus de la simplicité. Un tableau devient un espace où l'on s'attarde, où l'on retrace l'histoire des gestes, où l'on perçoit les couches invisibles sous le visible.
Dans un monde obsédé par la clarté et l'immédiateté, les techniques mixtes privilégient la lenteur. Elles invitent à observer à nouveau, à remarquer ce qui scintille, ce qui se cache, ce qui change.
Et c'est peut-être là le véritable sens de la profondeur : non pas la perfection ou le raffinement, mais la tension silencieuse entre ce qui peut être vu et ce qui restera toujours sous la surface.
