Le langage premier d'une peinture n'est ni la couleur ni la composition, mais la matière. Avant de voir quoi que ce soit, on le ressent : la rugosité de la toile, le poids des pigments, la résistance du pinceau sur la surface. Les matériaux d'un tableau portent leur propre psychologie, leur propre voix. Dans mon travail, chaque texture, chaque couche a une portée symbolique. Les peintures métalliques, les surfaces mates, les plantes douces et les lignes nettes : chacune parle différemment.
Le symbolisme ne se limite pas à l'image ; il s'intéresse au comportement de la matière. L'acrylique, par exemple, sèche vite ; elle exige une grande détermination. L'aquarelle, en revanche, résiste au contrôle et se diffuse comme l'émotion elle-même. Le chrome ou la peinture métallisée renvoient le monde au spectateur, brouillant la frontière entre sujet et spectateur. Chaque médium modifie non seulement l'aspect d'un tableau, mais aussi sa signification.
Le langage de la texture
La texture m'a toujours fasciné car elle est porteuse de souvenirs. Une surface lisse procure une impression de calme et de réflexion. Une surface stratifiée est émotionnelle, vivante, inachevée – comme une pensée en mouvement. Dans l'art brut ou symbolique, la texture n'est jamais décorative. Elle participe à l'architecture émotionnelle.
Quand je travaille avec d'épaisses couches d'acrylique, je pense aux sédiments, au temps qui s'accumule, geste après geste. Quand je laisse des traits ou des rayures visibles, c'est pour montrer la matérialité de l'émotion, la trace de l'effort. La rugosité devient honnêteté.
La texture des peintures originales détermine également le comportement de la lumière, la manière dont la réflexion s'intègre à la perception. Une surface métallique reflète le spectateur, transformant l'observation en participation. Une surface mate absorbe la lumière, suscitant l'introspection. Le tactile devient psychologique : la brillance révèle, tandis que la rugosité dissimule.
Le pigment comme émotion
La couleur est depuis longtemps perçue comme symbolique, mais le pigment – la matière physique qui la crée – possède une signification plus profonde. Historiquement, les pigments provenaient de pierres, de minéraux, de plantes et même d'insectes. Chaque couleur avait une origine, une histoire, une géographie. L'outremer, autrefois dérivé du lapis-lazuli, symbolisait le sacré non seulement par sa teinte, mais aussi par sa rareté. Les ocres et les tons terreux reliaient les peintures au monde physique – à la terre, à la rouille et à la décomposition.
Dans mon travail, cette filiation est toujours présente. J'utilise souvent des pigments naturels ou des tons doux aux côtés de pigments synthétiques, les laissant intentionnellement contraster. Rose fluo contre vert terreux ; argent chromé contre ocre mat. C'est un dialogue entre l'artificiel et l'organique, le moderne et l'ancestral.
Cette collision de matières reflète une tension émotionnelle : douceur et acuité, sincérité et ironie, vulnérabilité et résistance. À travers le pigment, l'émotion devient physique.
Le symbolisme dans l'acte de peindre
Le processus lui-même – la manière dont les matériaux sont appliqués – est également symbolique. Les gestes rapides et superposés de la peinture acrylique suggèrent l'urgence, tandis que les glacis lents et translucides évoquent la patience et la contemplation. Gratter une couche sèche pour révéler la couleur sous-jacente peut donner l'impression de déterrer un souvenir.
Je considère souvent la peinture comme un rituel. Chaque couche cache et révèle, construit et efface. Recouvrir est aussi significatif que montrer. Dans le folklore, les objets rituels étaient créés par la répétition ; le mouvement lui-même détenait un pouvoir. De même, lorsque la peinture est appliquée selon des rythmes répétés, elle devient plus qu'une technique ; elle devient invocation.
Les matériaux participent à ce rituel. Ils se comportent différemment à chaque fois : ils résistent, absorbent ou se mélangent de manière imprévisible. Cette imprévisibilité est ce qui maintient le processus en vie. La peinture, d’une certaine manière, devient une collaboratrice.
Métalliques et réflexions
L'introduction de peintures métalliques dans mes œuvres originales a apporté un nouveau symbolisme : la réflexion comme présence. Contrairement aux pigments traditionnels, les peintures métalliques réagissent dynamiquement à la lumière ; elles évoluent au gré des mouvements du spectateur. Cette instabilité me fascine. Elle me rappelle que la perception elle-même n'est jamais figée.
Les surfaces métalliques véhiculent également des connotations culturelles : l’or, sacré, l’argent, éthéré, le chrome, futuriste. Dans la peinture symbolique, ces matériaux font office de passerelles entre les époques : ils relient l’idée ancienne de rayonnement divin aux notions contemporaines d’artificialité et de technologie.
Lorsqu'une surface métallique reflète le visage du spectateur au milieu de fleurs, d'yeux ou de symboles, un échange s'opère : l'observateur devient partie intégrante de l'œuvre. Il ne s'agit pas seulement d'un effet esthétique, mais d'un effet philosophique. Il s'agit d'une question : où s'arrête la peinture et où commence le soi ?
Matérialité et sens dans l'art original
Chaque médium possède sa propre intensité émotionnelle. L'acrylique est affirmée ; l'aquarelle, intime. Les métaux sont performatifs, tandis que le graphite ou l'encre évoquent l'intimité, presque le secret. Les mélanger, c'est comme mélanger les voix dans une conversation : chacun apporte du ton, du rythme et de la tension.
Pour moi, les matériaux physiques de la peinture sont indissociables de son symbolisme. Un symbole peint à plat perd de sa force ; un symbole gravé, superposé ou gratté gagne en résonance. Le médium lui donne corps.
C'est pourquoi je considère souvent les matériaux comme des métaphores des états humains. Le brillant est synonyme de confiance ; le mat est synonyme de silence. Les fissures sont synonymes de mémoire. La brillance est synonyme de transformation. Grâce à la matière, l'émotion devient tangible : elle gagne en texture, en présence et en sonorité.
La poésie de la substance
Peindre symboliquement, c'est écouter ce que les matériaux veulent dire. Parfois, l'acrylique résiste, séchant trop vite ; parfois, le chrome envahit l'image, effaçant les détails. Chaque accident fait partie de l'histoire. La matière mène, et je suis.
À une époque où les images numériques sont légères, la tactilité de la peinture paraît presque radicale. Elle insiste sur la présence – sur le toucher, sur l'imperfection. La surface se souvient de chaque hésitation, de chaque correction, de chaque souffle d'incertitude.
C'est pourquoi la matérialité a toujours son importance. Elle donne corps à l'invisible. Elle laisse l'émotion s'imposer. Au final, chaque symbole dans un tableau est aussi une trace de contact : le pigment se transforme en sens, le geste en souvenir.
À travers la matière, l’art devient non seulement quelque chose que l’on voit, mais quelque chose que l’on ressent en retour .
