Nunca he confiado en la perfección. Parece pulida, pero rara vez se siente viva.
En el arte, como en la vida, lo que más me conmueve son los defectos: la pincelada que se resbala, la textura irregular, el color que se destiñe demasiado. Esos momentos se sienten humanos. Muestran que algo real traspasó la superficie.
Cuando pinto, no busco crear algo perfecto. Intento capturar un pulso. Quiero que la obra respire, que parezca vivida, como si recordara algo. Quizás por eso me encanta la estética de la imperfección: porque permite que la emoción exista abiertamente, sin la armadura del control.
En una cultura que venera lo acabado y lo filtrado, la imperfección se convierte en un acto de libertad.
La belleza de lo inacabado
A lo largo de la historia, los artistas han jugado con la idea de lo incompleto.
En la estética japonesa, el concepto de wabi-sabi celebra la belleza de la impermanencia: el cuenco desportillado, la tela descolorida, la línea que se rompe. Los pintores renacentistas solían dejar dibujos subyacentes visibles bajo capas translúcidas de pigmento. Incluso los simbolistas y expresionistas, siglos después, abrazaron la decadencia y la distorsión como formas de verdad.
La imperfección siempre ha sido la sombra de la autenticidad. Nos recuerda que todo es temporal, que la belleza no es simetría, sino presencia. Creo que por eso nos atraen los frescos antiguos, los esmaltes agrietados o los textiles deshilachados: contienen rastros del tiempo.
En mi obra, intento mantener esas huellas visibles. Cuando la pintura gotea o el brillo metálico refleja la luz de forma desigual, no lo corrijo. Esas irregularidades forman parte de la historia. Es donde la emoción aflora.
El lenguaje emocional de los defectos
Psicológicamente, la imperfección comunica honestidad. La suavidad se percibe distante; la aspereza, humana. Nuestros cerebros responden a patrones irregulares (asimetría, texturas en capas, tonos cambiantes) como señales de profundidad. Por eso los objetos imperfectos resultan más accesibles.
En la pintura, a menudo superpongo colores que no combinan. Neón junto a tonos tierra, oro sagrado contra gris industrial. El contraste crea una vibración, la que se siente viva, impredecible. Esa tensión, entre la armonía y la disrupción, es lo que le da a una obra una carga emocional.
Creo que esto refleja la experiencia humana. No estamos hechos de líneas limpias. Llevamos contradicciones, recuerdos y cambios. Crear arte que oculte esas imperfecciones me parece deshonesto, como fingir que la vida es algo que no es.
La imperfección como identidad
Muchas de mis obras exploran la identidad a través de la distorsión.
Los rostros que pinto rara vez son simétricos. Su maquillaje es teatral, exagerado: pestañas inferiores como pintura de escenario corrida, cabello que luce a la vez vintage y futurista, ojos que saben demasiado. Estos detalles no son errores; son expresiones. Se resisten a la idea de una belleza perfecta.
En cierto modo, tratan de reivindicar la imperfección como forma de individualidad. La teatralidad, la intensidad, la extrañeza: todo se convierte en un lenguaje de libertad. Pienso en las mujeres de los retratos renacentistas, congeladas en ideales de compostura, y en cómo la feminidad moderna aún lidia con esa presión. Mis figuras la rompen. Son emotivas, sin complejos, visiblemente humanas.
Lo mismo ocurre con los interiores y la estética. Una habitación llena de texturas imperfectas —ropa de cama arrugada, cerámica desportillada, marcos desparejados— da la sensación de estar habitada, no de estar montada. Transmite calidez, historia y contradicción. Así es como se ve la verdadera libertad en el espacio: la aceptación de que la belleza no necesita estar limpia para ser completa.
Libertad en el proceso
Hay un tipo de liberación que ocurre cuando dejas de intentar controlar el resultado.
Cuando pinto, a menudo me dejo llevar por el instinto: una pincelada que decide la siguiente, un accidente que se convierte en ritmo. Se trata menos de planificación y más de confianza.
Esa imprevisibilidad le da pulso a la obra. Las gotas, las líneas irregulares, los colores sobreexpuestos: se convierten en recordatorios del tacto. Del tiempo. De la imperfección como evidencia de la presencia.
Quizás por eso el arte imperfecto se siente más humano. Porque no solo refleja lo que se hizo, sino cómo se hizo: cada decisión, cada duda, cada error que cobró significado.
Por qué la imperfección importa ahora
En la era de la perfección digital, donde cada imagen se corrige, lo crudo y lo imperfecto tienen un poder distinto. Nos recuerdan la realidad: no la que encaja en cuadrículas, sino la que se mueve, se agrieta y respira.
Para mí, la libertad reside en esa aceptación. En crear, vivir, decorar, sin borrar las señales de vida.
Para dejar ver las huellas dactilares.
Porque al final la imperfección no es lo opuesto a la belleza.
Es la parte de la belleza que todavía nos pertenece.
