El arte nunca ha sido solo una imagen en papel. Para mí, ha sido un espejo, un compañero, a veces una herida, a veces un remedio. Cuando creo o me rodeo de arte mural —ya sea un póster simbólico, un retrato fantástico o una simple lámina botánica—, no elijo la decoración. Elijo un proceso de autorreparación.
El lenguaje del color
El color es la primera medicina. El carmesí me permite liberar la intensidad que no puedo expresar en voz alta; el cobalto me tranquiliza cuando me siento dispersa; el verde equilibra mis días. Cada tono con el que trabajo no es neutro, sino que está cargado de emoción.
Pintar, o incluso colgar un póster colorido en mi pared, es dejar que esa emoción exista fuera de mí. La habitación se convierte en una extensión de mi paisaje interior, un lugar donde los sentimientos que no puedo expresar con palabras pueden vivir visiblemente y sin vergüenza.
La forma como estructura
La forma da forma a lo informe. Una línea irregular puede soportar el peso de la ira; una composición redondeada y fluida puede calmar la agitación de la incertidumbre. Cuando diseño láminas simbólicas de arte mural, noto cómo mi cuerpo guía instintivamente el gesto: con firmeza cuando necesito defenderme, con suavidad cuando necesito perdonar.
Estas formas, una vez fijadas en el papel, me ofrecen estabilidad. Me recuerdan que el caos se puede contener, que la identidad, aunque cambiante, puede tomar forma, aunque sea temporalmente. Colgar estas obras de arte en mi casa es reconocer que reparar no es perfección, sino dar forma: una manera de contener el dolor sin dejar que me disuelva.
El sentimiento como brújula
El arte me enseña a seguir mis sentimientos en lugar de silenciarlos. Al crear, permito que la tristeza se transforme en paletas sombrías, la alegría en patrones luminosos, la añoranza en retratos surrealistas. Cada póster que diseño se convierte en un mapa emocional, que traza no solo dónde he estado, sino también hacia dónde quiero ir.
Por eso, rodearme de arte mural, ya sea mío o de otros, no es un capricho. Es una práctica. Cada mirada a un póster en mi pared me recuerda que las emociones no son enemigas, sino guías.
Sanación a través de las relaciones
El arte también me permite procesar las relaciones. En mi obra aparecen rostros: a veces amantes, a veces amigos, a veces arquetipos de intimidad y distancia. Pintarlos o imprimirlos es dar cabida a la complejidad: la ternura, el dolor, la ambigüedad.
Cuando estos retratos se convierten en pósteres en mis paredes, actúan como testigos. Me recuerdan que las relaciones, incluso sin resolver, pueden honrarse en forma y color. Me permiten vivir con la memoria sin dejarme consumir por ella.
La identidad como trabajo en progreso
A través del arte, ensayo mi propia identidad. ¿Soy el vibrante carmesí o el gris apagado? ¿La superposición ecléctica o la forma minimalista y disciplinada? Al crear y vivir entre láminas artísticas, acepto que la identidad no es una esencia fija, sino una superposición de estados de ánimo, símbolos y contradicciones.
Esta aceptación es en sí misma sanadora. Significa que no necesito "completarme" para sentirme completo. Puedo ser una galería de arte —inconclusa, abundante, cambiante—, pero aún coherente.
El arte como reparación abierta
Hablar del arte como autoreparación no significa que sane definitivamente. Más bien, me ofrece continuidad. Cada póster que cuelgo, cada impresión simbólica que creo, es un fragmento de reparación: un recordatorio de que la sanación no es un destino, sino un ritmo.
En mi sala, en mi estudio, en las paredes donde se reúnen el arte simbólico y fantástico, convivo con estos fragmentos. No cierran las heridas por completo, pero las mantienen en silencio. Permiten que la belleza crezca en lugares que antes se sentían rotos.
El arte me repara no borrando la fractura, sino dándole forma, color y presencia. Y en esa presencia, encuentro el coraje para continuar.
