La volgarità come specchio culturale
La parola volgarità porta con sé secoli di inquietudine. Derivata dal latino vulgus, “la folla” o “il comune”, è stata a lungo usata come marcatore di classe e di gusto. Ciò che veniva definito “volgare” non era solo eccessivo o pacchiano, ma anche socialmente pericoloso, associato alle masse piuttosto che all’élite. Eppure, nell’arte, la volgarità è spesso stata proprio il luogo in cui la vitalità ha prosperato. È lo spazio in cui l’ornamento dilaga, i colori gridano invece di sussurrare, e il gusto diventa terreno di scontro.
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Kitsch e la politica dell’eccesso
Il kitsch, con le sue rose di plastica e i santi glitterati, è stato spesso liquidato come l’emblema della volgarità. Eppure, come notarono critici culturali da Hermann Broch a Clement Greenberg, il kitsch non era tanto un fallimento dell’arte quanto il riflesso della fame di immediatezza e sentimento della società moderna. Il suo eccesso non era innocente, ma sintomatico.
Negli interni, l’estetica kitsch—che si tratti di statuine in ceramica o poster al neon contrastanti—è riemersa come gesto ironico, trasformando il “cattivo gusto” in commento giocoso. Lo stesso eccesso che un tempo condannava il kitsch è diventato la sua forza: un modo di rifiutare la sterilità del buon gusto minimalista.
Il camp come protesta
Se il kitsch è volgarità come sentimentalismo, il camp è volgarità come strategia. Le celebri Note sul camp di Susan Sontag riconoscevano il piacere del camp per l’esagerazione, l’artificio, la teatralità. Il camp estetizza la volgarità deliberatamente, trasformando glitter, piume fucsia o parrucche al neon in armi di visibilità.
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All’interno delle sottoculture queer e femministe, il camp è diventato più di uno stile: era protesta. Ha ribaltato la gerarchia del gusto, rivendicando l’eccesso come forma di empowerment. Essere volgari significava rifiutare la cancellazione, essere più forti, più brillanti e più sfacciati delle strutture che cercavano di contenere.
Simboli volgari nelle stampe contemporanee
Nell’arte murale simbolica contemporanea, il volgare appare spesso attraverso l’esagerazione deliberata. Palette acide, fiori sovradimensionati, volti distorti o ibridi surreali riecheggiano le tradizioni kitsch e camp. Queste immagini prosperano nel “troppo”. Destabilizzano gli interni con la loro audacia, creando energia là dove la moderazione avrebbe spento.
Lungi dall’essere fallimenti del gusto, tali opere smascherano l’arbitrarietà del gusto stesso. Ci ricordano che le categorie di “bello” e “brutto”, “raffinato” e “volgare” sono storicamente contingenti e politicamente cariche.
Ribellione attraverso il cattivo gusto
Perché la volgarità resiste come estetica? Perché offre critica sotto mentite spoglie. Ciò che è eccessivo rivela i limiti di ciò che è permesso. Ciò che è pacchiano indica la violenza della moderazione. La volgarità resiste all’assimilazione, rivendicando il diritto di essere vista e udita senza scuse.
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In questo senso, l’estetica della volgarità non è solo decorativa ma emancipatoria. Trasforma l’eccesso kitsch in commento, l’umorismo camp in protesta e il “cattivo gusto” in modalità di sopravvivenza.
Verso una poetica del volgare
Abbracciare la volgarità nell’arte e negli interni significa abbracciare la contraddizione. Significa permettere a glitter, neon e distorsioni grottesche di parlare non come incidenti, ma come scelte deliberate. La volgarità, quando viene rivendicata, diventa non vergognosa ma luminosa, una forma di critica rivestita di paillettes.
Dal kitsch di souvenir alla protesta camp, l’estetica della volgarità ci ricorda che la ribellione può arrivare in colori pacchiani, che la critica può indossare strass, e che la bellezza, nella sua forma più radicale, sceglie spesso di essere rumorosa.
