La storia dell’arte ha sempre oscillato tra cielo e terra. Tra il sacro e il profano, tra ciò che la società venera e ciò che teme. Nell’arte originale contemporanea, questa tensione non è solo estetica ma emotiva: un confronto tra purezza ed eccesso, tra trascendenza e materia viva.
L’invenzione del sacro
Per secoli, il sacro ha definito ciò che l’arte poteva essere. Il corpo divino, il gesto puro, la linea controllata — la bellezza esisteva per elevare, non per disturbare. La simmetria rinascimentale, le icone bizantine, il dramma barocco: ogni epoca ha reinventato la santità come perfezione.
Essere “arte” significava toccare l’intoccabile, salire verso l’alto.
Eppure il sacro ha sempre avuto la sua ombra. Sotto ogni aureola vive il corpo umano — che suda, trema, desidera. Anche l’immagine più elevata nasconde la carne. È proprio questo elemento represso che gli artisti moderni e outsider riportano oggi alla luce.
Il ritorno del volgare
“Volgare” un tempo significava popolare. Era il linguaggio della strada, del mercato, del non raffinato. Quando l’avanguardia ha accolto la volgarità, non lo ha fatto per provocazione, ma per restituire verità.
Nelle pitture originali che intrecciano surrealismo, folklore o tecniche miste, la volgarità diventa onestà visiva. Brillantini accanto al cromo, eccessi floreali accanto alla geometria sacra — il risultato non è profanazione, ma riconciliazione.
Queste opere rivelano come la bellezza possa esistere proprio dove la convenzione distoglie lo sguardo.
Il volgare destabilizza la gerarchia. Afferma che l’estatico e il grottesco condividono la stessa radice.
La disobbedienza della bellezza
Cosa accade quando il sacro e il volgare convivono sulla stessa superficie? Il risultato non è caos, ma complessità. Un’opera mista con riflessi metallici può ricordare un’icona d’altare, ma le sue forme esagerate sussurrano di carnevale, di moda, di corpo.
Il sacro crea distanza; il volgare la abolisce. Insieme generano un’intensità nuova — né morale né oscena, ma viva. È qui che l’arte contemporanea ritrova la sua forza: nel rifiuto di separare il divino dall’umano.
La nuova icona
In un mondo saturo di immagini, il sacro si è spostato. Non più sui muri delle chiese, ma sugli schermi. Oggi le icone non sono santi, ma volti pubblici; non pale d’altare, ma copertine.
Gli artisti che dialogano con questo cambiamento trasformano la volgarità in antropologia.
Attraverso texture esagerate, colori abbaglianti o sensualità esplicita, le opere originali contemporanee rivelano i nuovi rituali del nostro tempo: consumo, bellezza, identità. Ci restituiscono ciò che abbiamo rimosso, come in uno specchio.
Ciò che un tempo chiamavamo volgare oggi è riflesso — desiderio, stanchezza, saturazione.
Verso un nuovo linguaggio del sacro
Forse il sacro non è scomparso, ma ha solo cambiato indirizzo. Non abita più nella purezza, ma nella sincerità — nella disponibilità a mostrare la contraddizione. Così anche la pittura più decadente può diventare devozionale, perché dice la verità dell’essere vivi.
Abbracciare il sacro e il volgare nell’arte significa accettare la totalità dell’esperienza umana: la trascendenza del divino, la comicità del corpo, lo scintillio dell’eccesso.
In questo spazio ibrido — dove il sacro incontra il kitsch, e il silenzio incontra la risata — l’opera d’arte torna a essere un rito. Non più per celebrare la perfezione, ma per onorare l’imperfezione come sacra.
