Esiste un tipo particolare di bellezza che vive nel buio — non come assenza di luce, ma come profondità. Le mie opere a tecnica mista nascono da questa idea. Le costruisco strato dopo strato, usando acrilici, liner e pigmenti metallici per creare una profondità che è allo stesso tempo fisica, emotiva e simbolica.
L’oscurità, per me, non riguarda la tristezza. È atmosfera. È il luogo dove vive il mistero — dove i riflessi argentati e cromati respirano contro la pittura opaca, dove il rosa neon brilla come una ferita, e dove i fiori diventano forme senzienti. In questo spazio stratificato, ogni superficie contiene qualcosa di nascosto.
Costruire profondità attraverso i materiali
Lavorare con la tecnica mista mi permette di trattare la superficie come un organismo vivo. Inizio con l’acrilico — ruvido, materico, imprevedibile. È la base, come il terreno di un rituale. Poi aggiungo marker, liner e pigmenti metallici. Ogni materiale reagisce in modo diverso: l’acrilico assorbe, il marker macchia, il metallizzato riflette. Insieme creano un dialogo visivo — luce contro opaco, morbidezza contro precisione.
Questa tecnica mi permette di giocare con il contrasto — visivo ma anche emotivo. I fondi scuri non sono vuoti: sono spazi che respirano. I dettagli lucenti sono come voci che emergono dal silenzio. Amo come la vernice metallica cattura la luce in modo irregolare, cambiando mentre ti muovi intorno all’opera. È come se avesse un suo battito.
Nelle mie composizioni gotiche, questa stratificazione costruisce l’atmosfera — la tensione silenziosa tra ordine e caos, chiarezza e distorsione.
Folklore e gotico
La mia sensibilità gotica non nasce da cattedrali o cimiteri, ma dal folklore. In molte tradizioni slave e pagane, l’oscurità non era mai solo negativa. Era uno spazio necessario — parte del ciclo naturale in cui avviene la trasformazione. Vedo lo stesso ritmo nell’arte: la decomposizione come rinascita, l’ombra come potenziale.
Per questo dipingo fiori con denti, radici che diventano serpenti, occhi che sbocciano dai petali. Questi simboli non vogliono spaventare; sono ricordi di vitalità. Il gotico, nel mio lavoro, diventa una forma di sincerità — il riconoscimento di ciò che è strano, selvatico, imperfetto.
Quando uso pigmenti metallici, soprattutto argento o bronzo, penso alle icone antiche, dove il buio serviva a far risaltare il sacro bagliore. Lo scintillio non è mai solo decorativo — è una luce emotiva, un modo per onorare l’imperfezione.
Il peso emotivo della texture
La texture è uno degli strumenti emotivi più importanti nelle mie opere a tecnica mista. La ruvidità della superficie dà fisicità all’emozione — non è liscia né idealizzata. A volte la pittura si screpola leggermente o il pigmento metallico si raccoglie in piccole macchie. Non correggo questi dettagli. Sono parte della logica interiore del lavoro.
C’è qualcosa di tattile nell’oscurità. Si può quasi sentirla. Mi piace che i miei dipinti riflettano questa sensazione — il tocco dell’ignoto. Quando la luce colpisce le zone in rilievo o le pennellate irregolari, le anima, quasi come pelle. Trasforma l’opera in qualcosa di vivo — un oggetto che respira indietro.
Il simbolismo nascosto negli strati
Ogni strato di pittura è uno strato di significato. Le prime pennellate portano l’istinto — il movimento senza pensiero. I disegni a liner aggiungono la precisione, come il pensiero che nasce dall’emozione. Infine, i dettagli metallici o al neon danno voce a ciò che si nasconde sotto.
In alcune opere, la composizione si costruisce intorno agli opposti: decomposizione e fioritura, vita e morte, morbidezza e violenza. Le immagino come rituali catturati a metà trasformazione — forme botaniche che mutano, occhi che emergono dai fiori, motivi sacri che si dissolvono nell’astrazione.
È questo che amo della tecnica mista — niente resta stabile. Tutto cambia, come fanno le emozioni.
L’oscurità come specchio
Spesso si pensa che il buio assorba, ma io credo che riveli. Nell’oscurità, anche il minimo bagliore diventa significativo. È questo il potere dell’ombra nell’arte — ti insegna a guardare più da vicino.
Le mie opere gotiche a tecnica mista nascono da questa idea. Non vogliono essere comprese subito; vogliono essere scoperte. Alla luce naturale i pigmenti metallici mostrano un’immagine, sotto la luce artificiale ne appare un’altra. Ogni cambiamento svela un nuovo tono — come se l’opera sussurrasse qualcosa di diverso ogni volta.
Per me, l’oscurità non è un tema — è un mezzo. È ciò che permette alla luce, alla texture e al significato di esistere.
La bellezza degli strati
Ciò che continua ad attrarmi in questo processo è la sua sincerità. Gli strati non si nascondono mai del tutto. Anche quando li ricopro, si percepisce ancora la traccia del gesto iniziale — il punto in cui il pensiero è cominciato. Mi ricorda che la bellezza non sta nella perfezione di un singolo strato, ma nella trasparenza tra uno e l’altro.
La mia arte gotica a tecnica mista vive proprio in questa trasparenza. Nella tensione tra lucentezza e ombra, controllo e intuizione. È un’arte che chiede di soffermarsi — non per capire subito, ma per sentire lentamente la profondità che si rivela.
Perché, alla fine, l’oscurità non è assenza. È una forma di presenza — una che rivela di più, quanto più a lungo resti a guardare.
